Научно-образовательныйпортал iq

Палех

В 1924 году в старинном ивановском селе Па­лех семь бывших художников-иконописцев орга­низовали «Палехскую артель древней живописи», дав начало современному Палеху. В создании но­вой живописи Палех исходил из старой художест­венной традиции, сложившейся к XVIII веку. В основании системы декора, тесно связанного в единое целое с формой, очень помогало палеша­нам присущее им народное чувство материала. Быстрому успеху Палеха способствовали свобода и радость творчества, когда каждый художник по­лучал возможность воплощения своего замысла, раскрытия особенностей своего таланта.

Постепенно был создан своеобразный художе­ственный язык Палеха, где действительность при­чудливо соединяется с фантастикой; увиденные художником в натуре зеленые луга, хлебные ни­вы, иссиня-черные ручьи и реки изображаются с особой пластичностью, уживаются рядом с фанта­стическими травами, сказочными птицами, зве­рями, диковинными палатами. Эта иносказатель­ность, близкая мышлению крестьянских худож­ников, расписавших предметы народного быта, стала одной из своеобразных черт палехской ми­ниатюры.

Одним из основателей и создателей стиля Па­леха был И. И. Голиков — выдающийся художник (1886-1937). Его по праву называют вождем Па­леха. Произведения И. И. Голикова пронизаны страстным чувством жизни, бурным движением, эмоциональным напряжением. Одна из работ Го­ликова изображает выступление Степана Разина перед голытьбой. Страстность революционной идеи, неудержимое стремительное действо выражено у Голикова не только острой композицией, динамикой поз, но и колоритом, сильными, звуч­ными красками, контрастным соотношением цве­тов. Красный, полыхающий цвет рубахи Разина, яркое соцветие одежд людей, стоящих вокруг, приобретают живописную декоративность, отра­жающую образ символического значения.

Фольклорность образов, песенная напевность и мягкая лиричность отличают многие произведения палехской миниатюры. Плавные текучие ли­нии, пластичные образы, нежная певучая гармо­ния красок свойственны работам лучших худож­ников-палешан И. Маркичева, А. Котухина, А. Дыдыкина, И. Вакурова, И. Зубкова.

Мотивы творчества палешан созвучны совре­менности: в них нашли отражение излюбленные сюжеты крестьянского труда, тема коллективиза­ции деревни, социалистического строительства, иллюстрации к произведениям русской и совет­ской литературы: А.С. Пушкина, М.Ю. Лермон­това, А.А. Фадеева, А.М. Горькова. Связь с лите­ратурным текстом, с русской народной сказкой, былиной, песней, обращение к темам далекой и славной истории нашей Родины помогают палех­ским миниатюристам создавать образы глубокого содержания, проникнутые большим жизненным чувством. Современные палехские художники обогаща­ют творческое наследие своего знаменитого про­мысла, решая новые художественные задачи.

Артель бывших лукутинских мастеров в 1910-1945 годах

В 1902 году Николай Александрович Лукутин скончался. Производство перешло к его вдове, Любови Герасимовне. В это время продукция выпускалась под маркой «Фабрика наследников Лукутина», повторяя в основном старые сюжеты. Еще при Лукутине производство не давало никаких доходов, и потому в 1904 году Любовь Герасимовна закрыла его.

Оставшиеся без работы мастера были вынуждены искать себе новое пристанище. Кто-то ушел в соседнее Жостово, другие — в Осташково, расположенное в 10 км от Данилково, в одну из мастерских В.О.Вишнякова.

В 1910 году оставшиеся работники на деньги, выделенные Саввой Морозовым Московскому губернскому земству, создали «Федоскинскую трудовую артель бывших мастеров фабрики Лукутина». Большую помощь в этом им оказала сельская учительница Любовь Дмитриевна Державина.

Организатор Федоскинской артели Державина Любовь Дмитриевна

Первая партия продукции Федоскинской артели была отправлена в основанный Саввой Морозовым Кустарный музей (Торгово-промышленный музей кустарных изделий Московского губернского земства; Москва, Леонтьевский переулок, 7с1Б). В артели насчитывалось 14 мастеров и 9 учеников, которые выпускали около 160 наименований продукции, по качеству не уступавшие лукутинским и превосходящие вишняковские.

То было время возрождения национальных традиций, обращения к русскому народному творчеству, широкого распространения неорусского стиля. Вспомним, к примеру, абрамцевские мастерские в Подмосковье, Талашкино (Фленово) на Смоленской земле, Федоровский городок в Царском Селе. Изделия Федоскинской артели стали пользоваться большим спросом в Москве и Петербурге, поступали заказы и из-за границы. Федоскинские мастера копировали лучшие произведения из «Музея образцов» при Кустарном музее.

В 1913 году продукция артели получила Малую золотую медаль на Всероссийской сельскохозяйственной выставке в Киеве. Эту медаль даже стали штамповать на оборотной стороне продукции.

Свидетельство о присуждении Федоскинской артели Малой золотой медали на Всероссийской выставке 1913 года в Киеве

Тяжелый период для федоскинцев начался после революции. В новых политических и экономических реалиях их продукция не пользовалась спросом, новые власти несколько раз предпринимали попытки закрыть артель. Тем не менее, в 1923 году изделия из Федоскино были удостоены диплома I степени на Всесоюзной выставке сельскохозяйственной и культурно-промышленной продукции в Москве. Появились новые революционные сюжеты: коллективизация, индустриализация. Сохранялись и старые традиции.

Продукция Федоскинской артели 1930-40-х годовШкатулки 1930-х годовШкатулка, середина XX векаШкатулка «В семье», 1949 год

В 1931 году была создана Федоскинская профтехшкола, выпускники которой успешно работали не только в Федоскино, но и в Жостово, в других центрах народных промыслов. В 1937 году на Всемирной выставке в Париже продукция Федоскинской трудовой артели живописцев получила Большую золотую медаль и Диплом за высокое качество изделий из папье-маше и за сохранение традиций русского народного искусства.

Витрина Федоскинского училища миниатюрной живописиМастера за работой, 1930-е годы

Изготовление Мстёрской лаковой миниатюры

Будущий шедевр начинается с создания папье-маше. На болванку, которая по размеру соответствует параметрам изделия, нанизывают картон, тщательно промазанный клеящим веществом.

Затем заготовку отправляют под пресс, пропитывают маслом и ставят в специальную печь. Отдельно создают дно изделия и крышку для него. После того как элементы будут готовы, шкатулку собирают в единое целое и наносят несколько слоев грунтовки и лака. Каждый раз покрытие тщательно просушивают и отшлифовывают.

После лакированная шкатулка попадает в руки живописца. Создание миниатюры – это долгий и кропотливый процесс, требующий усидчивости и невероятного напряжения глаз. Прежде чем наносить рисунок на изделие художник тщательно прорабатывает эскиз и изображает его на бумаге.

Затем картинку переносят на кальку, оборотную сторону скопированного пейзажа натирают сухим коричневым порошком. После этого рисунок прикладывают на поверхность шкатулки и с помощью цировки (игла со сглаженным острием) переводят его.

Следующим этапом становится раскрытие цветовой гаммы. Мастера называют процесс термином «роскрышь». Он задает живописную основу будущего произведения. Это своеобразный прием у художников, заключающийся в первичной раскладке оттенков в пределах имеющего изображения.

С помощью теневой росписи выполняется моделирование картинки. Потом мастер проводит работу в светлых областях заготовки. Заключительным шагом создания шедевра является покрытием лаком в несколько слоев и полировка.

Краски, золото и лак

Художники обращались к образам русского Средневековья не только для того, чтобы визуально «упаковать» идеологические максимы. Экзотизация этой эпохи и представление её в былинных или сказочных декорациях позволяли живописцам в полной мере использовать декоративные приемы и орнаментальные возможности своего стиля. Неслучайно миниатюристы выбирали исторические сюжеты для конкурсных и выставочных работ.

На замечания в отсутствии «исторической достоверности» в работе миниатюриста, он отвечал, что «художник не старался писать под двенадцатый или какой-от иной век: он просто писал по-своему, по-голиковски то, что взволновало его», создавая таким образом свой мир прошлого.

Именно этот опыт переживания и понимания истории, осмысленный в визуальной форме и зафиксированный под слоем лака, делает эти миниатюры важным источником изучения неуловимых фантазий и динамичных представлений о средневековом прошлом. Рассмотренные миниатюры не являлись массовой художественной продукцией, однако они демонстрировались на выставках, печатались в каталогах, воспроизводились в тиражных изданиях и на открытках, то есть являлись и продолжают оставаться частью визуальной культуры времени. Лучшие образцы росписей копировались начинающими мастерами, которые в работе усваивали не только принципы исполнения и технику промысла, но и сложную систему смыслов, закодированную в образах, а потом воспроизводили её в самостоятельных композициях.

C одной стороны, визуальная форма и художественный стиль, в которых миниатюристы изображали «средневековую старину», воздействовали на воображение зрителя, формируя массовые представления о прошлом и расширяя пространство «воображаемого средневековья». С другой стороны, художественная практика мастеров зависела от содержания советского культурного канона: набор событий и личностей, через которые репрезентировалась многовековая эпоха, был ограничен и следовал стандартам официальной исторической политики. Однако даже это «разрешённое» прошлое оказалось важным для художников, многие из которых сами были участниками военных действий.

По всей видимости, в то время как их реальный опыт войны не поддавался героизации, изображения средневековых и былинных сюжетов помогали им отвечать на поставленную перед артелями задачу создания торжественных патриотических композиций. Под яркой и красочной росписью миниатюр — темный лаковый фон, за изображением доблестных витязей и победоносных битв средневекового прошлого — умолчание о пережитом болезненном и страшном опыте войны.

*(Всероссийский музей декоративно-прикладного и народного искусства. Фонд A-643. Архив Научно-исследовательского института художественной промышленности. Оп. 4. Д. 272. Рукопись Л.К. Розовой. Современная советская тематика в творчестве народных мастеров и художников. Л. 34)

IQ

Автор текста:

Березина Елизавета Сергеевна,

30 августа, 2018 г.

История

медиевализм

публичная история

СССР

Подпишись на IQ.HSE

История федоскинской миниатюры

Однако не самая полезная привычка нюхать табак стала своеобразным толчком к возникновению прекрасного художественного направления. В восемнадцатом веке табак, кажется, нюхал каждый, независимо от пола и социального статуса. На табакерки возник общественный спрос, который начали предъявлять предприимчивые умы Европы. Для их изготовления картон прессовали, пропитывали растительным маслом и сушили при высоких температурах. Этот материал назывался «папье-маше», что буквально означало «жевательная бумага».

Федоскинская роспись, конец 19 века

Табакерки были покрыты черной грунтовкой, в самой росписи использовалась черная краска, а также использовались классические сюжеты. За 5 лет до конца XVIII века купец Коробов начал делать такие же табакерки, это произошло в селе Федоскино, что в 30 км от Москвы. Специально для налаживания производства Коробов привез мастеров из Германии.

Миниатюристами в купеческом производстве стали местные крестьяне, специально для которых была открыта художественная школа. Сначала гравюры появлялись на крышках табакерок, позже эти гравюры стали раскрашивать, а позже крышки превратились в лакированные живописные миниатюры. Те самые, которые вошли в историю народного искусства.

Неудивительно, что лаковая миниатюра Федоскино стала такой узнаваемой и популярной. Художники были такими же мастерами эпохи Возрождения, учились в знаменитом Строгановском училище. Поэтому миниатюристов однозначно можно назвать профессионалами.

Бытовой жанр

Художники Мстёры предпочитают изображать людей в привычной обстановке: за полевыми или крестьянскими работами, рыбалкой, рукоделием и т.д. Один из самых любимых элементов художника при составлении миниатюры в бытовом жанре является хлеб.

С древних времен эта выпечка считалась Божьим даром и занимала главенствующее место за обеденным столом. Мастера смогли сохранить до наших дней своеобразный колорит изображений и детально отобразить роль быта.

Сюжетные композиции разрабатывались параллельно с передней плоскостью, акцентируя внимание на связи предмета и живописи. Люди изображались небольшого роста с коренастой фигурой, лишенные сентиментальности

Производство Коробова в Данилкове

В 1795 году в сельце Данилково Троицкого стана Марфинской волости Московского уезда купец I гильдии Петр Иванович Коробов открыл фабрику по производству бумажных лаковых козырьков из папье-маше для армейских головных уборов. Это производство оказалось на редкость прибыльным: козырьки — вещь расходная, их всегда требуется много.

Бумажный лакированный козырек производства фабрики Петра Лукутина

Производство недорогих лаковых табакерок, украшенных приклеенными к ним гравюрами, тоже приносило неплохой доход. В начале XIX века Коробов переманил с немецкой фабрики Штобвассера в Брауншвейге нескольких мастеров, которые смогли организовать производство табакерок с оригинальной масляной росписью и обучили этому местных крестьян.

Производство быстро расширялось. Так, в 1811 году на фабрике в Данилково было изготовлено 580 дюжин табакерок с кунштюками, т.е. украшениями и 145 дюжин табакерок без украшений. Для удешевления продукции бумажную гравюру просто приклеивали на изделие и покрывали сверху лаком. Особой популярностью  пользовались женские портреты, жанровые сценки и пейзажи. Клейм в то время еще не ставили.

Русские лаковые изделия

Холуй

Холуйская лаковая миниатюра зародилась в селе Холуй Ивановской области. Миниатюры исполняют на папье-маше с использованием специальных темперных красок.

Темпера была основным материалом для самостоятельной живописи еще 5-7 веков назад, а история использования этих красок насчитывает более трех тысяч лет. Например, темперными красками были выполнены росписи саркофагов египетских фараонов, так же их широко использовали византийские художники и русские мастера (вплоть до конца XVII века). Темпера используется и в монументальной живописи, т.к. она водостойкая, а многообразие приемов и фактурность позволяют мастерам работать в различных техниках, будь то письмо тонким слоем или густое пастозное письмо.

Темпера присутствует в традиционной технике иконописи. Ее наносят по левкасу (грунт с добавлением льняного масла) на деревянную основу. Холуйские мастера (так же, как и мастера из Мстеры и Палеха) основывают свое творчество на технике древнерусских иконописцев. По мнению искусствоведов, первыми иконописцами в Холуе были монахи Троицкого монастыря, принадлежавшего Троице-Сергиевой лавре. Они обучали местных жителей, и к концу XVII века Холуй стал носителем традиций иконописи лавры СергиевогоПасада.

Главное отличие холуйских мастеров от их соседей из Мстеры и Палеха в том, что они обучались мастерству на покрытых лаком и окрашенных в черный цвет листах картона. Данное решение предложил искусствовед А.В. Бакушинский для экономии материалов, чтобы не портить предметы, планируемые для росписи.

В 1861 году в Холуе было открыто первое во Владимирской губернии художественное училище. Затем в 1882 году появились рисовальные классы, которые были преобразованы в иконописно-рисовальную школу. А в 1901 году появились иконописные мастерские.

После революции Холуйские мастерские были закрыты, и людям приходилось заниматься делами, далекими от художества. Но вопреки тому, в 1934 году, по примеру своих соседей, холуйские мастера объединились в артель и стали искать свой собственный стиль в лаковой миниатюре.

В 1959 году был создан Музей Холуйского искусства, сейчас он имеет статус Государственного музея.

С 1961 г. холуйская миниатюрная живопись стремительно развивалась. Она вышла на международный рынок. Первые заказы на лаковые миниатюры были из Лондона, затем из Германии, Франции, США, Бельгии и Италии.

Помимо миниатюр, мастера начинают изготавливать декоративные лаковые панно. Тиражи лаковых изделий насчитывают более 700 штук. Помимо традиционного черного фона, в работах все чаще начинают использовать насыщенный красный, зеленый и вишневый цвет. Сюжеты разнообразны: русский фольклор, былинные и сказочные мотивы, исторические, литературные, пейзажные песенные, сатирические и многие другие сюжеты, образы деятелей русской культуры. У каждого мастера есть индивидуальные отличия, своя манера исполнения сюжета. При этом сохранено единство стиля, а Холуй обрел статус мирового центра лаковой миниатюрной живописи.

В 1989 году образовалось Холуйское художественное училище миниатюрной живописи, которое и сейчас готовит мастеров для народных художественных промыслов.

В наши дни так же существует Холуйская художественная фабрика лаковой миниатюры, где на сегодняшний день трудится около 200 человек. Стиль и традиции тщательно сохраняются и контролируются художественным советом.

Федоскинская артель живописцев в 1950-е годы

Выставка в зале 5 посвящена деятельности артели художников Федоскино в 1950-е годы. Это был момент возвращения к мирной жизни, новой надежды. На угловой стойке можно увидеть предметы той эпохи: коллекцию спортивных кубков, коробки с различной тематикой.

Произведения артели художников Федоскино середины ХХ века

В 1953 году СССР готовился красиво отметить 75-летие Сталина. В 1952 году Федоскинский завод получил заказ на изготовление пишущего инструмента для Сталина. Конечно, мастера очень волновались: ошибка могла дорого обойтись не только им лично, но и всей артели. Однако 5 марта 1953 г вождь скончался, а пишущий инструмент не был востребован.Пишущий инструмент в подарок Сталину
Папка с изображением павильона ВДНХ

В то время художникам Федоскино была предоставлена ​​возможность работать в Третьяковской галерее в Москве, делать копии известных картин. Это значительно обогатило продукцию артели Федоскино.

Ящики с копиями картин из собрания Третьяковской галереи и другими творческими работами

Еще один интересный экспонат в этом зале — рабочее место заслуженного художника РСФСР, лауреата Государственной премии РСФСР. ТО ЕСТЬ. Репин, член Союза художников СССР Иван Иванович Страхов (1918-1979). Его кисти принадлежат одни из лучших федоскинских шкатулок. Он фактически умер на работе, оставив свою последнюю работу незавершенной.

Рабочее место заслуженного артиста РСФСР И.И. Страхова

История лаковой миниатюры в России

В нашей стране интерес к промыслу зародился во времена правления Петра Первого. Император постоянно путешествовал по загранице и периодически привозил оттуда интересные идеи. Впервые лаковая миниатюра была применена при оформлении покоев в Коломенском дворце.

Также ремесленники привлекались к декорированию Монплезира, расположенного в Петергофе. Например, «китайский кабинет» оформили с помощью лаковых панно в количестве девяноста четырех штук.

Благодаря налаженным торговым связям со Страной восходящего солнца в России появились табакерки из папье-маше, декорированные затейливой росписью в виде галантных сцен. Познакомившись с работой крупных мануфактур в Европе, император закупил партию лакированной мебели и привез в страну.

Также он пригласил с собой несколько местных умельцев. В 1757 году была организована первая Академия художеств, где обучали «лакирному делу». В это же время заработала фабрика на Урале, позже комбинаты появились в столице и многих провинциальных городках.

Начало массовому производству лакированной продукции положил купец Коробков, основавший в небольшом поселении Данилково (ныне Федоскино) комбинат по изготовлению козырьков для головных уборов военных (кивера). Он пригласил нескольких немецких мастеров и наладил бесперебойное производство лакированной продукции.

Первой разновидностью товара под «брендом» Коробкова стали недорогие табакерки. На них наклеивали бумажные гравюры, изображающие значимые для страны события.

После смерти основателя великого дела, управление фабрикой взял в свои руки его зять П. В. Лукутин. Он существенно увеличил объемы производства и добился высочайшего качества изделий. Начиная с 1829 года, лакированные товары из Данилково регулярно участвовали в зарубежных и местных выставках.

1830 – это период становления и творческих поисков лукутинских миниатюр, разработки инновационных технологий и вариантов декоративного оформления. При фабрике открыли рисовальную школу, лучших мастеров отправляли на обучение в Строгановское училище.

Федоскинская фабрика в 1980-2000-х годах

В конце 1970-х годов в Федоскине была организована молодежная творческая группа. Ослабли жесткие рамки, и художники получили большую свободу самовыражения. В это время появляются шкатулки новых, необычных форм, захватывающие сюжеты. Одновременно сохранялась преемственность: то было время самой тесной связи между фабрикой и училищем, где преподавали высококвалифицированные мастера. Придя на производство, молодые художники попадали к мастеру-наставнику, который передавал им свое мастерство, опыт и секреты. Работы этого времени отличаются необыкновенным внутренним светом.

90-е годы XX века были непростыми в истории фабрики. С одной стороны — рост популярности русского искусства во всем мире, интерес к народному творчеству. Художники получили возможность продавать свои произведения за границу. С другой стороны — тяжелая экономическая ситуация внутри страны, неплатежи. Тем не менее, мастера смогли пережить это время. Как и в прежние времена, кто-то трудился непосредственно на фабрике, другие работали на дому, сдавая на фабрику готовую продукцию.

В конце 1990-х годов я впервые попала с экскурсией на Федоскинскую фабрику. В мастерских было весьма пустынно. Выяснилось, что большинство заняты уборкой урожая — стояла ранняя осень. «Как соберут картошку, так придут на работу», — был лаконичный ответ одной из сотрудниц. Рядом с фабрикой были целые «развалы», где можно было купить авторские работы за весьма скромную цену.

Мастер с ученикамиПродукция молодежной творческой группыНеобычный дизайн шкатулокИзделия молодежной творческой группыОбразцы продукции Федоскинской фабрики 1980-2000-х годов

Многие изделия отличает особый, идущий изнутри свет. Такой эффект дает, в первую очередь, перламутр. Где-то вставлены лишь отдельные кусочки перламутра, а есть картины, полностью выполненные на раковине. Также используется металлическая фольга. К сожалению, фотография не способна передать это удивительное внутреннее свечение.

Шкатулка с росписью по раковинеМузыкантыШкатулка с пейзажемСказочный сюжетСказочный сюжетМоскваШкатулка с перламутромШкатулка с перламутромШкатулка с перламутромВосточные красавицыШкатулки

Русская лаковая миниатюра.

Среди русских народных художественных промыслов особое место занимает лаковая миниатюрная живопись. Мы надеемся, что прочитав эту статью вы сможете уверенно отличить лаковые миниатюры по месту изготовления и стилю.

Народные промыслы зародились в глубокой древности и сначала не осознавались как искусство. Люди просто делали необходимые для себя вещи и украшали их.

Первые лаковые миниатюры появились 2000 лет назад в Китае и Японии. Китайские мастера покрывали свои изделия соком лакового дерева.

Мастер покрывает соком лакового дерева по старинной японской технологии

Далее, в средние века, искусство росписи лаковой поверхности проникает в Индию и Персию (Иран), а в ХVII веке уже и в Европе начали изготавливать лаковые миниатюры. Наибольшую популярность приобрели французские, шотландские и немецкие изделия за качество лака и изображений. Как правило, лаковая миниатюра была представлена шкатулками и табакерками.

Табакерка, Женева, золото и лак, 1809 год.

Интересно! Если в эпоху древности предпочитали расписывать и лакировать дерево и фарфор, то мастера Европы удешевили технологию (кстати, и сегодня используется именно этот материал): они стали расписывать изделия из папье-маше.

В России же первые лаковые изделия появились только в начале ХVIII века. Русские мастера создавали в основном табакерки, в которых хранился нюхательный табак, весьма популярный в то время.

На протяжении двух столетий в России существовали несколько десятков фабрик, изготавливающих лаковую миниатюру. В настоящее время в России работает четыре центра лаковой живописи.

1. Федоскино (село, Московская область). Здесь было положено начало массовому производству лаковых изделий в России. И, как ни странно, это были лаковые козырьки для киверов, которые производились на фабрике купца П.И. Коробова. Затем ассортимент изделий расширился, совершенствовались техники живописи. Живопись на изделиях из папье-маше писалась маслом в технике многослойного письма, в три-четыре слоя, при этом каждый слой обязательно просушивался и лакировался.

Федоскино – самый старинный русский промысел, дошедший до наших времён.Его отличает яркость и буйствокрасок, долговечность красочного покрытия, многообразие стилистики и тематики.

Процесс создания шкатулки:

Подготовка папье-маше.

Рабочее место художника.

Художница за работой.

Готовая шкатулка

Одним из любимых жанров мастеров Федоскино являлся портрет. Было создано много работ с изображением царствующих особ, знаменитых полководцев, деятелей культуры, придворной знати. Были популярны изображения городов (Москва, Санкт-Петербург, Суздаль).

Шкатулка «Санкт-Петербург»

Москва.

Москва, вид на Кремль.

Собор Василия блаженного

Шкатулка «Суздаль»

Позднее приобрела популярность народная тема, которая наиболее близка нам и сейчас.

Сюжеты из сельской жизни: (народные гулянья, хороводы, игры и др.)

Шкатулка «С горы»

Шкатулка «Гармонист»

Шкатулка «Вербное воскресенье»

Шкатулка «Гармонь»

Сцены быта:

Шкатулка «Осенняя пора»

Шкатулка «На рыбалке»

Шкатулка «Вдоль по улице»

Шкатулка «У колодца»

Излюбленная тема художников лаковой миниатюры-чаепитие:

Шкатулка «Чаепитие»

Шкатулка «Чаепитие»

Шкатулка «Чаепитие»

Портреты девушек:

Шкатулка «Чарка к мёду»

Брошь «Девушка в кокошнике»

Пейзажи, животный мир:

Шкатулка «Снегири»

Миниатюра «Летний пейзаж»

Коробка «Осень»

Миниатюра «Зимний пейзаж»

Шкатулка «Снегири»

Особое место в федоскинских произведениях лаковой миниатюры занимала и занимает тема русской тройки. Тройка, как отражение русского характера – это и безоглядная лихость, и сосредоточенная углубленность в себя, и задумчивая напевность песен ямщика.

Шкатулка «Метелица»

Шкатулка «Тройка летняя»

Миниатюра «Тройка»

Брошь «Тройка»

И, конечно же, тема сказок:

Шкатулка «Малахитовая шкатулка»

Миниатюра «Царевна-лягушка»

Шкатулка «Конёк-горбунок»

Шкатулка «Аленький цветочек»

Коробка «Морозко»

История в миниатюре

Обращение к историческим сюжетам в миниатюрных лаковых росписях не редкость. Своими работами художники промысла по наставлению руководящих организаций должны были поддерживать «уверенность в исторической обусловленности счастливого настоящего и грядущего прекрасного будущего»*. В образной системе миниатюрной живописи происходили переработка популярных представлений об имперской и советской истории и уточнение визуального языка, на котором следовало говорить о ней.

Всплеск исторической тематики в промысле связан с событиями Великой Отечественной войны. Легендарные и действительные битвы прошлого оказывались переосмысленными в рамках одной темы — «борьбы русского народа за свою родину». В этот период миниатюристы обращаются к сюжетам русского Средневековья, выбирая предметом изображения поход Игоря Святославовича на половцев (в качестве литературной основы здесь выступало «Слово о полку Игореве»), Ледовое побоище, Куликовскую битву и т.д.

Иллюстрация Е.И. Пашкова (1920-2002), ученика первых палехских мастеров, из серии «Русские богатыри» (1942) помогает расшифровать идеологическое значение подобного слияния. В композиции объединены две эпохи, две битвы: битва русских воинов под предводительством Александра Невского на льду Чудского озера против рыцарей Ливонского ордена (1242) и сражение советских солдат с немецкими войсками. Дата создания изображения, Спасская башня в правом верхнем углу, участие в столкновении большого числа танков, зимняя форма солдат позволяют определить это сражение как битву за Москву (1941-1942). Воображаемая ось из верхнего левого в нижний правый угол соединяет две фигуры: богатырского вида русского князя, занесшего меч над противником, и советского кавалериста, в той же позе угрожающего карикатурному немецкому солдату шашкой. Визуальную рифму также составляют вооруженный боевым топором древнерусский воин и советский солдат, отбивающийся от врагов винтовкой со штыком. Содержание закодированного здесь сообщения повторяет прокомментированную выше идеологему, представляющую советский народ в образе народа-богатыря, силу которого в сражении с неприятелем поддерживает славная история предков.

Ещё менее вероятно появление на боевом знамени профиля Сталина. Возможно, эту деталь художник подсмотрел на плакате С. Бондара «Вперед за нашу победу!» (1941) или на рисунке В. Андреева, напечатанном в «Правде» 9 мая 1945 года, и слишком буквально визуализировал не раз слышанную пропагандистскую формулу «под знаменем Сталина»

Не стоит считать эти элементы изображения ошибкой художника, но именно на них важно обратить внимание при анализе миниатюры. Конечно, в отсутствии исторической дистанции, у автора росписи не могло быть аналитического языка, чтобы указать на сакральный характер сталинского культа (так может интерпретировать изображение современный зритель). Через эту деталь миниатюрист находил визуальную форму для знания, которого не мог передать словами

Работая над росписью, художник «документировал» переживания, которые вызывал у него образ всемогущего и вездесущего правителя, каким представляли Сталина тропы официальной риторики

Через эту деталь миниатюрист находил визуальную форму для знания, которого не мог передать словами. Работая над росписью, художник «документировал» переживания, которые вызывал у него образ всемогущего и вездесущего правителя, каким представляли Сталина тропы официальной риторики.

Настоящий «исторический калейдоскоп» можно увидеть в миниатюре «Гимн Советского союза» (1945) холуйского мастера С.А. Мокина (1891-1945). Здесь за спиной Сталина, не только герои русского Средневековья, но и другие полководцы «в битвах решавшие судьбу поколений» (Гимн СССР 1944-1956 гг., слова С. В. Михалкова и Г. А. Эль-Регистана). С уверенностью можно указать на фигуры А. Суворова и М. Кутузова. Менее сложный вариант композиции на ту же тему предложил годом ранее другой миниатюрист холуйской артели, К.В. Костерин (1899-1985). В центре, перед стоящими на трибуне Лениным и Сталиным, — древнерусский воин и солдат Красной армии. Если присмотреться, то за лучами красной звезды или, как пелось в гимне, «сквозь грозы сияющего солнца свободы» можно заметить еще две фигуры, иконография которых позволила искусствоведам узнать в них Дмитрия Пожарского и Кузьму Минина (личность еще одного всадника, различимого за облаками, не определена).